Blog de Javier Vives Rego
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| Cartel de la videoconferencia sobre kabuki para la Embajada del Japón en Chile. |
En el
anterior artículo comentamos la obra de dos pintores adscritos a la escuela nanga,
y hoy entraremos en el estilo más popular internacionalmente de todo el arte
japonés: los grabados denominados ukiyo-e, un tipo de obra que alcanzó
su esplendor en el periodo Edo (1603-1868).
Debo aclarar que este apartado dedicado al ukiyo-e va a ser muy escueto. El motivo no es otro que la ingente cantidad de información que existe sobre el tema. Cualquier aficionado o estudioso tiene a su disposición miles de libros y webs especializadas, así como un buen número de museos en todo el mundo donde encontrar información sobre la vida y obra de los artistas del ukiyo-e, así como la posibilidad de visualizar y descargar las reproducciones de sus grabados. Por todo eso, me parece que poco puedo aportar sobre este tema.
Además, en este blog ya publiqué en el año 2015 diez artículos sobre el ukiyo-e, por lo cual ahora no repetiré ninguna reproducción de las obras que inserté allí. Este enlace lleva a la primera de aquellas entradas.
La pintura ukiyo-e, 1
Antes de nada debería aclarar a qué tipo de grabado debería aplicarse el
calificativo de ukiyo-e. La xilografía, que se introdujo en
Japón desde China en el siglo VI, se utilizó en un principio para la impresión
de textos budistas y la confección de libros, algunos de ellos ilustrados. No fue hasta mucho más tarde cuando apareció el ukiyo-e.
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| Shiba
Kōkan (1747-1818): Libro de viajes de Edo a Nagasaki, tinta sobre papel,
25,7x18,1x0,6 cm, periodo Edo, 1803. Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Foto: web del museo. |
El pasado 29 de septiembre, martes, a las 18:30, participé en una conferencia doble titulada El espacio: casa y jardín en Japón en el Centre
Obert d’Arquitectura del Colegio Oficial de Arquitectos de Cataluña (COAC), Plaça
Nova 5, 1ª planta, Barcelona.
El acto constó de dos
charlas de unos 35 minutos cada una. La primera la impartió el arquitecto
Enric Massip Bosch, quien habló de la casa japonesa a partir del último cuarto del siglo XIX.
La segunda fue a mi cargo y versó sobre el jardín japonés a lo largo de la historia.
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| Portada de la presentación de la charla dedicada al jardín en Japón. |
Hoy, 16 de septiembre de 2026, se ha superado el millón de visitas a mi blog. Desde el
24 de abril de 2013 hasta hoy más de 1.000.000 de internautas han visto algunos
de sus más de 650 artículos ilustrados con un total de más de 4000 fotografías y más de 100
vídeos. Y todo clasificado en un detallado índice por temas y otro por fechas. Creo que es un blog único en su género.
Visítalo y si te gusta recomiéndalo.
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| Captura de pantalla de parte de la página principal del blog hoy, 16 de septiembre de 2026. |
Hace
quince días dedicamos un artículo completo a la obra de Maruyama Ōkyo, máximo
representante de la escuela que lleva su nombre, y hoy lo haremos de otro
movimiento que apareció hacia 1720, el denominado movimiento nanga o bunjinga.
La
pintura nanga
Cuando
hablamos de Murayama, comentamos que su obra estuvo muy influida por las
informaciones sobre ciencia y arte europeo que llegaban a Japón a través de los
comerciantes holandeses recluidos en Nagasaki. Del mismo modo, en esos mismos años se produjo un renovado interés por las ideas chinas, algo que nunca se
había perdido totalmente. También en ese caso, Nagasaki era el puerto de entrada
de monjes y artistas del gran país asiático.
Una de
esas corrientes, que llegó primero a esa ciudad y enseguida a Kioto, fue muy
bien recibida por intelectuales y pintores japoneses. Su novedad se encontraba
en la fusión de poesía, caligrafía y dibujo en una misma obra. Las pinturas de
los integrantes de ese movimiento o escuela incluían casi siempre algún
poema como un elemento más de su composición, a la que impregnaban de un
sentimiento lírico evidente. Ese hecho hizo que se conocieran como bunjinga
o «pintura de letrados» y se las englobara en un estilo que se llamó nanga
o «pintura del sur», por proceder de Nagasaki, urbe del Japón meridional.
Uno de
los temas preferidos de esa tendencia era el paisaje que, sin embargo, se
trataba de manera diferente a como se había hecho en el periodo Muromachi con el sumi-e. El espacio vacío, verdadero universo que envolvía todo y
manifestaba su invisible presencia ocupando la mayor parte de la superficie en
un sumi-e, explotaba aquí en mil pedazos que salpicaban a las montañas y
rocas otorgándoles un claro aliento poético. La influencia china resultaba
obvia, especialmente en el abigarrado tratamiento de las formas que no pocas
veces rozaba la abstracción. Dos de los más sobresalientes representantes del
estilo nanga fueron Ike no Taiga y Yosa Buson.
Ike
no Taiga
Ike no Taiga
(1723-1776) fue tan hábil artista como calígrafo. Sus pinturas, a veces casi
monocromas, suelen tener pequeñas manchas de color obtenidas mezclando el
pigmento con la tinta. En sus paisajes lejanos, de resonancias literarias,
recurría a puntos de vista muy altos y a menudo empleaba la técnica del
difuminado sobre papel mojado.
Los biombos de las dos siguientes ilustraciones representan sendos paisajes de China diferentes y sin relación entre sí, pues se encuentran en regiones alejadas una de otra.
En el biombo derecho se ofrece una panorámica del lago Dongting, situado en la provincia de Hunan y donde desemboca el río Yangtze. Varias barcazas navegan por sus embravecidas aguas y unas personas contemplan en paisaje desde un edificio en la orilla.
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| Biombo derecho. |
El anterior artículo fue el último consagrado a la escuela rinpa
y el de hoy lo dedicaremos a otra escuela denominada Maruyama, el apellido de su
fundador.
La escuela Maruyama
A lo
largo del extenso periodo Edo, la duradera paz propició la aparición de
enfoques artísticos muy diferentes. Por ejemplo, Kioto mantenía su sofisticada atmósfera, muy distinta de la plebeya que se respiraba en Edo, la antigua Tokio. Mientras
tanto, en Nagasaki, muy lejos de las dos urbes, continuaban llegando objetos y noticias
de corrientes artísticas provenientes de Europa y China que no tardaban en
conocerse en la capital. Un par de ellas fueron el empleo de las técnicas de sombreado
y la perspectiva cónica. La influencia de ambas en los artistas japoneses no
fue generalizada, pero algunos las aplicaron sutilmente en sus obras. Con
ellas se pretendía superar el estancamiento en el que se encontraba la escuela Kanō, enfrascada en
sus sistemas de producción en serie que combinaban las maneras y formatos
nativos con unos pocos métodos occidentales.
Los
pintores más inquietos descubrían en algunas técnicas
de representación europeas la posibilidad de otorgar un toque más realista a sus obras que les permitía superar no solo el academicismo de los Kanō, sino también el decorativismo de
la escuela rinpa. Uno de ellos fue Maruyama Ōkyo
El más
conspicuo practicante de esas innovaciones técnicas fue Maruyama Ōkyo, artista que fundó en Kioto la
escuela que llevó su nombre y cuyos alumnos supieron mantener sus enseñanzas hasta finales del siglo XIX. En el
fondo, sus temas no se alejaban demasiado de los tradicionales de árboles, flores y pájaros de
la escuela Kanō ni tampoco del empleo de grandes formatos. Sin embargo, lo que
sí resultaba completamente distinto era su tratamiento mucho más realista.
Maruyama
entró en un taller de la escuela Kanō como aprendiz cuando era adolescente y
hacia 1755 descubrió en la pintura europea, que pudo conocerse en Japón gracias a los
holandeses que arribaban a Nagasaki, la capacidad de reflejar de manera más
realista la naturaleza. Los deseos que mostraban algunos artistas de ir más allá de las tendencias representadas por la declinante escuela Kanō y el decorativo estilo rinpa se concretaron en dos nuevos enfoques: el realista representado por la escuela
fundada por Maruyama, llamada sashei-ga o escuela realista, y la
denominada bunjin-ga o escuela literaria o de letrados.
En la siguiente ilustración, vemos que Maruyama retoma el tema de las grullas que pintó Kōrin a principios del siglo XVIII y que comenté en este artículo hace un mes. El fondo es aún más conciso que el de Kōrin, pues todo su fondo es un puro vacío dorado en el que ni siquiera aparecen rastros de un arroyo como en la obra mencionada de aquel. La diferencia principal se encuentra en la manera de tratar el plumaje de las aves, variando su color y creando un suave sombreado que permite reflejar su textura de un modo muy realista.
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| Biombo derecho. |
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| Biombo izquierdo |