Curso de arte japonés, art. 57º. Pintura, XI

En el anterior artículo comentamos la espléndida obra de Ōgata Kōrin y hoy hablaremos de dos artistas de la escuela rinpa que trabajaron en el siglo XIX.

La pintura rinpa, 3

Sakai Hōitsu

El último gran artista del movimiento rinpa fue Sakai Hōitsu (1761-1828), quien en su juventud estudió arte chino, trabajó en los talleres de los Kanō, practicó la pintura de tinta china e incluso el grabado policromo, el ukiyo-e. Cuando finalmente descubrió el movimiento rinpa, se convirtió en uno de sus divulgadores más convencidos. Sus estudios sobre la obra de Ōgata Kōrin han suministrado muchos datos sobre la vida, técnica y obra del artista, aunque algunos de ellos se han cuestionado posteriormente. Veamos unos pocos de sus trabajos.

Como creo que hemos podido constatar a lo largo de este curso, las pinturas en biombos o fusuma suelen retratar los árboles, flores o plantas como mínimo en dos estaciones diferentes, otoño y primavera o invierno y verano. El caso de los biombos de Sakai que vemos en la siguiente ilustración, con solo un tipo de árbol, el cerezo, es muy poco frecuente. Algunos expertos opinan que la franja inferior grisácea posiblemente no existiera en la obra inicial. 

Biombo derecho.

Biombo izquierdo.

 

Curso de arte japonés, art. 56º. La pintura, X

Hace dos semanas hablamos de la obra de Tawaraya Sōtatsu y hoy lo haremos de otro gran artista: Ōgata Kōrin, autor de una serie de obras convertidas en hitos de la historia de la pintura japonesa.

La pintura rinpa, 2

Ōgata Kōrin

El estilo rinpa llegó a ser el reflejo de cierto espíritu poético y evocador que impregnó al periodo Edo. Seguramente fue Ōgata Kōrin (1658-1716) quien, a principios del siglo XVIII, plasmó de forma más exquisita dicha atmósfera. Su obra más conocida es el doble biombo titulado Lirios que se expone en el Museo Nezu de Tokio. No la voy a comentar aquí porque en su momento, hace más de diez años, ya lo hice en un artículo en el que insertaba imágenes de sus pinturas más conocidas. Un poco más adelante volveré a dar el enlace a esa entrada, pero ahora vamos a ver y comentar otras obras menos conocidas.

De esa misma época es la pareja de biombos que inserto a continuación. La composición se basa, como en sus conocidos Lirios, en sutiles variaciones en la posición de las larguísimas patas y picos de las grullas. De nuevo la restricción de los colores es máxima, solo tres que van del negro al gris. La técnica de aplicar la tinta sobre la capa anterior aún húmeda crea el efecto de volumen de los cuerpos de las aves. El fondo de pan de oro, en el que se distingue la cuadrícula de los trozos encolados, no puede ser más “minimalista”, apenas unos meandros de un riachuelo aparecen por los dos extremos de los biombos.

Biombo derecho.

Biombo izquierdo.

Datos de los dos biombos anteriores: Ōgata Kōrin: Grullas, tinta, color y oro sobre papel, 166,1x371,0 cm cada biombo, periodo Edo, inicio s. XVIII. Freer Gallery of Art, National Museum of Asian Art, Smithsonian Institution, Washington. Foto: web del museo. 

Curso de arte japonés, art. 55º. Pintura, IX

Después del que en el anterior artículo hablásemos de la pintura durante los cortos años momoyama (1573-1603), hoy entraremos en el más largo de los periodos históricos de Japón, el de los años tokugawa, de 1603 hasta 1868, fecha de la apertura de fronteras después de más de dos siglos y medio de muy limitados contactos con el mundo exterior.

La pintura rinpa, 1

Durante la época Edo, la escuela Kanō (ver el artículo 51 de esta serie) mantuvo un alto nivel de actividad, aunque sin incorporar nuevas aportaciones a su estilo tradicional. La mayoría de los temas que utilizaba eran de origen chino y estaban muy relacionados con el confucianismo, filosofía especialmente querida por los gobiernos tokugawa. 

Los animales que aparecían en sus obras se asociaban a ciertos valores que se suponía debía tener los representantes de la clase alta. Los tigres, leones y dragones casi siempre se situaban en entornos muy concretos. El tigre entre cañas de bambú, el león entre peonías y el dragón entre nubes. La grulla, que según la tradición simbolizaba larga vida, así como el mítico fénix, asociado a buenos augurios, fueron las aves más apreciadas. Los ciruelos, pinos y bambúes eran los árboles preferidos por los pintores de esa estirpe. 

Kanō Motonobu (1476-1559) creó un nuevo estilo pictórico en el periodo Muromachi. La obra de Kanō Eitoku (1543-1590) refleja muy bien el espíritu momoyama. Sin embargo, a diferencia de ellos, a Kanō Tan’yū (1602-1674) difícilmente se le puede considerar representativo del nuevo hacer pictórico de su época, los años edo.

Kanō Tan’yū: Tigres en un bosque de bambúes, tinta, color y oro sobre papel, 184,9x141,0 cm
cada hoja, periodo Edo, ca. 1630, Nanzen-ji, Kioto. Foto: Philadelphia Museum of Art.

Curso de arte japonés, art. 54º. Pintura, VIII

En la anterior entrada dijimos que hoy entraríamos en el apartado dedicado a la pintura nanban y eso vamos a hacer. La llegada a Japón de los portugueses y jesuitas en 1543, a finales del periodo Muromachi, provocó un gran revuelo en todo el país. Lo extraño que resultaba el aspecto de los europeos para los japoneses quedó reflejado en un sinfín de obras a las que se les aplicó el calificativo de nanban.

La pintura nanban

Nanban-jin o «bárbaros del sur» fue el nombre que se dio a esos extranjeros que llegaron al archipiélago nipón desde el sur. Por extensión, el término nanban se utilizó en el arte y en todo tipo de objetos relacionados con ellos. Los biombos en los que se representaban a los europeos se llamaron nanban byōbu.

Muchas de esas obras nanban eran anónimas y solo algunos integrantes de la escuela Kanō firmaron unas pocas pinturas. Los biombos nanban, como siempre, solían hacerse por parejas a las que se daba unidad temática. Una de las combinaciones más frecuentes reflejaba en el de la izquierda un navío zarpando de un puerto no japonés, mientras que en el de la derecha podía verse su llegada a un muelle nipón. 

Los personajes occidentales que se representaban en ellos destacaban por sus pequeñas cabezas, extraños abalorios y abombados pantalones. Entre ellos llamaban especialmente la atención los religiosos con sus hábitos y los esclavos negros. En general, la composición de los biombos se realizaba con un punto de vista elevado que permitía ver las diferentes escenas que se describían, las cuales se diferenciaban separándolas mediante nubes de pan de oro.

La obra de Kanō Naizan (1570-1616) es una de las más representativas de las pinturas que retratan la llegada de los portugueses y españoles a Japón. La ilustración siguiente es de un par de biombos nanban pintados por él. En el de la izquierda se ve a un barco partiendo de un país asiático, cosa que se deduce por el estilo de los edificios, mientras que el de la derecha muestra al mismo navío ya en Japón, con las velas arriadas y del que se está descargando su mercancía.

Biombo izquierdo.

Biombo derecho.

Curso de arte japonés, art. 53º. Pintura, VII

En el anterior artículo empezamos a hablar de la pintura de la escuela Kanō durante la época Momoyama. Hoy seguiremos hablando de la actividad de los maestros Kanō durante el periodo Edo.

La escuela Kanō, 3 

Kanō Sanraku

En la producción de Kanō Sanraku (1559-1635) abunda la representación de flores. Una de sus obras más completas se encuentra en las puertas correderas de la residencia del prior del templo de Tenkyū-in en Myōshin-ji, Kioto. En cada una de sus salas, las pinturas  tratan un tema diferente. De las veinte hojas de la estancia central, en ocho de ellas y sobre un fondo dorado aparecen unos tigres descansando entre troncos de bambú. En las doce restantes, los bambús y unas rocas, siempre asentadas en la parte inferior de la pintura, son los únicos protagonistas de la escena.

La ilustración siguiente es de una reproducción realizada por el llamado Tsuzuri Project, con el que se propone reproducir a tamaño original cualquier pintura utilizando tecnología digital de última generación, pero siempre complementada con la artesanía tradicional. De esa forma se pretende preservar obras cuyo soporte es muy frágil, sustituirlas en su emplazamiento original, generalmente edificios antiguos de madera poco acondicionados, y hacerlas visibles cuando generalmente no suelen exponerse en público.

Correderas lado oeste.

Correderas lado norte.

Charla sobre el jardín japonés

El próximo jueves 18 de junio de 2026 a las 18:30, ofreceré una charla sobre cómo leer o interpretar los jardines japoneses en la librería Haiku de Barcelona, calle Montseny, 7, en el barrio de Gracia de Barcelona. La entrada es libre hasta completar el aforo.

La charla la he enfocado no como una conferencia convencional, sino como un intercambio de opiniones con los asistentes a partir de dos formas de ver o interpretar los jardines japoneses: su simbología y su uso.

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Curso de arte japonés, art. 52º. Pintura, VI

Hace quince días vimos obras de los dos artistas que crearon la escuela Kanō: Kanō Masanobu y su hijo Kanō Motonobu. Hoy seguiremos viendo pinturas de esa estirpe familiar cuya época de esplendor comenzó en el corto pero brillante periodo Momoyama (1573-1603). En aquel artículo comenté de pasada que, en los años momoyama, la escuela Kanō se caracterizó por un tipo de pintura muy acorde con el espíritu de esa época.   

La escuela Kanō, 2

La cultura del periodo Momoyama se distanciaba de forma clara de la ascética y concentrada atmósfera de la precedente época Muromachi. Los grandes señores feudales, cuyo gusto rozaba lo extravagante, se decantaban por la gran escala y luminosidad de las pinturas, esto último conseguido con el empleo de fondos de pan de oro. Se suele decir que esa preferencia por los dorados se debía a la necesidad de compensar la escasa iluminación de los interiores en las residencias japonesas.

Esa misma razón se aduce cuando se habla de los espléndidos kimono empleados por los actores protagonistas en el teatro nō, porque las funciones duraban varias horas y siempre se acababa iluminando el escenario con la tenue luz de las antorchas. 

Más información sobre el teatro nō

El 24 de marzo de 2015 publiqué en este blog la entrada que iniciaba la serie de 12 artículos dedicados al teatro nō. En ella, además de comentarios sobre ese género escénico, se incluye la traducción acompañada de videoclips de la obra titulada Kantan.

Biombo derecho.

Biombo izquierdo.

Pie de las dos fotos anteriores: Artista desconocido de la escuela Kanō: Flores y pájaros de las cuatro estaciones, tinta, color y pan de oro sobre papel, 106,7x360,7 cm cada biombo, periodo Momoyama, final s. XVI. Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Foto: web del museo.

El castillo de Matsumoto: videoclip

El castillo de Matsumoto

Inserto en este artículo un videoclip de mi canal de YouTube con un montaje realizado con algunas de fotos del castillo de Matsumoto que hice en la "era analógica", en la prefectura de Nagano.

En el año 2014 publiqué en este blog un artículo dedicado al castillo de Matsumoto que puedes leer si clicas en este enlace. Pero antes te aconsejo que eches un vistazo a este clip, solo dura un minuto y medio.

Si deseas ver esas mismas fotos que aparecen en el clip y otras, una a una y con más calma, puedes entrar en mi blog Arquitectura de Japón. Este enlace te llevará justo a su artículo.

Aquí tienes el vídeo-clip sin necesidad de que entres en YouTube. Dura menos de un minuto y medio.

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Curso de arte japonés, art. 51º. Pintura, V

En el anterior artículo hablamos de la pintura monocroma creada por los monjes zen. En este lo haremos de las escuelas de pintores laicos que se centraron en decorar los biombos y las puertas correderas de las residencias de los señores feudales y abades de templos. En un principio, sus obras eran fundamentalmente monocromáticas con solo unos pocos toques de color, pero enseguida desplegaron una paleta de brillantes colores que muy a menudo destacaban sobre un fondo de pan de oro.

La ilustración siguiente es de una pequeña pintura de tinta china con unos discretísimos toques de color realizada por un monje zen, Sesson Shūkei (ca. 1492-1577). Las figuras de las personas parecen empequeñecidas por un imponente paisaje imaginario de influencia china.

El jardín de Daishin-in: vídeoclip

El jardín de Daishin-in

En mi canal de YouTube colgué en su momento un cortísimo vídeoclip sobre el jardín de Daishin-in, un templo asociado al complejo de Nanzen-ji en Kioto.

Daishin-in cuenta con un recoleto jardín seco muy tranquilo y cuya composición se distingue claramente de otras por su sencillez. Su diseño es obra del gran maestro Nakane Kinsaku (1917-1995).

Si deseas ver esas mismas fotos que aparecen en el clip una a una y con más calma, puedes entrar en mi blog Jardines de Japón. Este enlace te llevará a su artículo. 

Aquí tienes el clip de YouTube sin necesidad de entrar en su plataforma, su duración es de solo 37 segundos. 

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Curso de arte japonés, art. 50º. Pintura, IV

Hace dos semanas dejamos el tema de la pintura japonesa en las obras en rollo y en concreto hablando del Heiji monogatari emaki. Hoy entraremos ya en una de las épocas de mayor renovación y esplendor del arte japonés: los siglos del XIV al XVI. 

Durante el periodo Muromachi (1333-1573) surgió en Japón un nuevo estilo de pintura que utilizaba casi exclusivamente la tinta china, llamada en japonés sumi, y en la que solo en algunas ocasiones se aplicaban unos pequeños toques de color. Las obras realizadas con sumi se denominan sumi-e, término más o menos sinónimo de suiboku-ga.

Para más información sobre el sumi-e

El 9 de diciembre de 2014 publiqué el primer artículo de una serie de siete sobre la pintura con tinta china que enlazaba con otro en el que se mencionaba su relación con el budismo zen. Este enlace abre una pestaña independiente con esa primera entrada.

En esos años, el budismo zen estaba perfectamente asentado en Japón y ya era costumbre que los monjes de esa escuela importaran pinturas chinas para estudiarlas. De acuerdo con su doctrina, el intentar describir la naturaleza, tema por el que sentían una especial inclinación, estaba condenado al fracaso si solo se buscaba su reproducción exacta, por elaborada que fuera. En consecuencia, prefirieron sugerir antes que representar, abandonaron los colores empleados en épocas anteriores, se decantaron hacia el monocromatismo que proporcionaba la tinta china y sustituyeron los temas religiosos por los relacionados con el paisaje, las flores y plantas y las aves.

Dos precursores

La siguiente ilustración es un retrato de un monje zen llamado Daido Ichii (1292-1370) realizado por un correligionario y discípulo de nombre Minchō (1352-1431). A pesar de su reducido tamaño, esa obra es un buen precedente de lo que será la futura sumi-e creada por religiosos zen. Los trazos quebrados de las rocas adelantan los que años más tarde utilizará Sesshū. El ciervo aparece tratado con una suave veladura que da volumen a su cuerpo.

Atribuido a Minchō: Daido Ichii,
tinta sobre papel, 47,0x16,2 cm,
periodo Muromachi, 1394.
Museo Nacional de Nara.
Foto: web del museo

Curso de arte japonés, art. 49º. Pintura, III

En el anterior artículo hablamos de la pintura budista realizada en el periodo Heian (794-1185). Hoy lo haremos de la pintura en rollo, un tipo de pintura creada en la siguiente época, la Kamakura (1185-1333). 

La pintura de los siglos XII y XIII

Poco a poco, las características de la pintura japonesa se irán distanciando de los modelos continentales para crear un estilo propio. Sus rasgos podrían resumirse en estos:

·         Uso de la perspectiva axonométrica, no de la cónica.

·         Empleo de tintas planas, no del sombreado.

·         Protagonismo de la naturaleza, no del ser humano.

·         Ocultamiento parcial del entorno, sugerencia.

·         Importancia del vacío.

·         Asimetría.

Videoconferencia sobre arte y sociedad en Japón

Esta tarde, día 22 de abril de 2026, ofrezco una conferencia vía Zoom titulada Arts, societat i tradicions del Japó para el Departamento de Educación de la Generalitat de Cataluña, a través de la Fundación Japón en Madrid. El encargo forma parte de una serie de ocho conferencias impartidas por reconocidos especialistas como Marc Bernabé, Pau Pitarch, Adrià Sedó, Yuko Morimoto, Víctor Navarro, Roger Ortuño y Montserrat Crespín. Esta es la carátula de mi charla.

Mariló Rodríguez del Alisal: "Japón a Escena. Teatro nō y kabuki"

La editorial Satori acaba de publicar un libro con sendas traducciones, directas del japonés, de dos obras maestras del teatro nō y kabuki tituladas, respectivamente, Kantan y Kanjinchō. Su título es Japón a escena. Teatro nō y kabuki. La traducción de ambas piezas se encargó a Mariló Rodríguez del Alisal, una reconocida antropóloga y pionera en España de la enseñanza del japonés. Mi contribución en el libro ha sido simplemente añadir unas pequeñas introducciones a ambos géneros y obras, e incluir un glosario y una bibliografía.

Portada de Japón a escena, publicado por Satori Ediciones.

Curso de arte japonés, art. 48º. Pintura, II

En el artículo de hace quince días vimos las más antiguas pinturas japonesas que se conservan, todas anteriores al siglo IX. Hoy entraremos ya en el siglo X y siguiente, lapso en el que se asentaron muchas de las características del arte japonés. 

Debo remarcar que este encasillamiento entre fechas que utilizo en las etiquetas y en los títulos de mis textos debe tomarse con mucha precaución, pues, como comprobará el lector, en muchos casos no encajan las obras que comento con el lapso de siglos indicado. Mi intención solo ha sido situar mínimamente las obras y los movimientos artísticos en un entorno temporal concreto, algo que reconozco es una labor condenada al fracaso.

La pintura de los siglos X y XI

Como en casi toda su cultura, y como vimos en el anterior artículo, la pintura de Japón inició el camino hacia su propia identidad partiendo de modelos chinos y coreanos. Con la llegada de la elegante aristocracia y sus exquisitos gustos, apareció un estilo de pintura que reflejaba el refinado gusto de la corte de la nueva capital, Kioto. La evolución del estilo nipón se encaminó, poco a poco y con las debidas excepciones, hacia el predominio de la línea y las superficies planas.

Extracto de "Historia y arte del jardín japonés"

Segunda edición del libro sobre jardines japoneses

Ofrezco a continuación un extracto de la segunda edición de Historia y arte del jardín japonés publicada por Satori Ediciones en febrero de 2026. Se trata de una sucinta historia de los jardines japoneses que permite entender cómo aparecieron estilos tan singulares como el de los jardines zen, entre otros.

En sus 345 páginas, he procurado explicar las intenciones de sus creadores, verdaderos artistas muchas veces anónimos, y descifrar las reglas por las que se guiaban durante su construcción. En su interior se incluyen 197 fotografías en color de los jardines que comentan, más de cuarenta, así como de otros. y de otros.

Ya puede comprarse en cualquier librería, en la web de la editorial Satori y también en la de Amazon.

En mi blog he publicado otras entradas con información sobre el libro. En una de ellas se puede leer su índice y en otra sus datos completos. Además, para los interesados en la fotografía, aquí verán un montaje con algunas de las ilustraciones que aparecen en su interior.

A continuación inserto dos extractos del libro. El primero es la "Introducción", donde se explica qué tienen de especial los jardines japoneses. En el segundo, "Pasado, presente y futuro", se hace una corta recapitulación de lo que ha sido y puede ser la evolución del jardín en Japón.

El 25 de marzo de 2026, Radio Euskadi me hizo una entrevista para hablar de este libro. Si clicas en este enlace podrás acceder a su plataforma GUAU y oír su podcast. Dura algo más de 52 minutos, incluyendo tres cortes de música japonesa. 

Datos de "Historia y arte del jardín japonés"

Segunda edición del libro sobre el jardín japonés

Presento aquí la segunda edición revisada y con más fotos, todas en color, de Historia y arte del jardín japonés. Se trata de un texto en el que relato la evolución de los diferentes estilos y formas de jardines aparecidos en Japón a lo largo de los siglos hasta llegar a nuestros días. Incluye numerosas notas que complementan un texto muy fácil de leer, así como varios anexos.

Estos son sus datos y características:

TÍTULO: Historia y arte del jardín japonés.

AUTOR: Javier Vives Rego

EDITORIAL: Satori Ediciones

FORMATO: papel

TAMAÑO: 345 páginas de 17x24 cm

NOTAS: 361

ILUSTRACIONES: 197 en color

PRIMERA EDICIÓN: mayo de 2014

SEGUNDA EDICIÓN: febrero de 2026

COMPRAR EN: Amazon, Satori Ediciones o cualquier librería. 

PRECIO: 29 euros.

En mi blog he publicado otras entradas con información sobre este libro. En una de ellas se puede leer su índice y en otra, un extracto. Además, para los interesados en la fotografía, aquí verán un montaje con algunas de las ilustraciones que aparecen en su interior.

El 25 de marzo de 2026, Radio Euskadi me hizo una entrevista para hablar de este libro. Si clicas en este enlace podrás acceder a su plataforma GUAU y oír su podcast. Dura algo más de 52 minutos, incluyendo tres cortes de música japonesa. 

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Índice de "Historia y arte del jardín japonés"

Segunda edición de Historia y arte del jardín japonés

Hoy ofrezco a mis lectores una primicia: ya está a la venta mi nuevo libro dedicado a los jardines de Japón. Se podrá encontrar en todas las librerías, en la web de la editorial Satori y también en Amazon.

En este blog ya he publicado varios artículos consagrados al jardín japonés, en los que se comenta su evolución desde los primeros jardines aristocráticos hasta los denominados jardines secos.

Obviamente, mi libro trata el tema de forma mucho más extensa, pues analiza más de cuarenta jardines desde el siglo XI hasta nuestros días. Cuando empecé a escribirlo me planteé que debía ser un texto de divulgación donde se organizaran lo más claramente posible las épocas, formas y estilos de los jardines en Japón. Y por otro lado, intenté que fuese de fácil lectura, aunque sin caer en tópicas interpretaciones. Espero haberlo logrado al menos en parte.

En mi blog he publicado otras entradas con información sobre este libro. En una de ellas se ofrecen todos sus datos y en otra se puede leer un extracto. Además, para los interesados en la fotografía, aquí verán un montaje con algunas de las ilustraciones que aparecen en su interior.

El 25 de marzo de 2026, Radio Euskadi me hizo una entrevista para hablar de este libro. Si clicas en este enlace podrás acceder a su plataforma GUAU y oír su podcast. Dura algo más de 52 minutos, incluyendo tres cortes de música japonesa. 

Fotos de "Historia y arte del jardín japonés"

Segunda edición de Historia y arte del jardín japonés

En esta entrada muestro una corta presentación creada con algunas de mis fotografías de jardines que se comentan en el libro Historia y arte del jardín japonés publicado Satori Ediciones.

Puede comprarse en cualquier librería, en la web de la editorial Satori o en la de Amazon.

Además, en mi blog he publicado otras entradas con información sobre este libro. En una de ellas se puede leer su índice; en otra, un extracto, y en una tercera, sus datos completos. 

Aquí ofrezco un pequeño vídeo con algunas de las fotos que aparecen en su interior. Para verlo basta con clicar aquí.

El 25 de marzo de 2026, Radio Euskadi me hizo una entrevista para hablar de este libro. Si clicas en este enlace podrás acceder a su plataforma GUAU y oír su podcast. Dura algo más de 52 minutos, incluyendo tres cortes de música japonesa. 

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Curso de arte japonés, art. 47º. Pintura, I

El anterior artículo concluimos el apartado consagrado a la jardinería y hoy entraremos en el dedicado a la pintura japonesa. Empezaremos dando una rápida ojeada a las obras más antiguas que se conservan: las realizadas en los túmulos funerarios que comenzaron a construirse en el periodo Kofun y que siguieron haciéndose hasta el siglo VIII, cuando la incineración budista comenzó a extenderse. 

La pintura hasta el siglo VIII 

Pintura en túmulos

Cuando en 1956 se descubrió el túmulo de Takehara en la prefectura de Fukuoka, en su interior se encontraron arneses, armas, y adornos de varios tipos además de varias pinturas murales. Los temas de todas ellas son de origen continental con imágenes de dragones, guardianes celestes y caballos pintados sobre la piedra sin desbastar.

Pintura mural, final del periodo Kofun, s. VI. Túmulo de Takehara, Miyawaka,
prefectura de Fukuoka. Foto: web de la ciudad de Miyakawa. 

El jardín seco de Daisen-in: videoclip

El jardín seco de Daisen-in

En mi canal de YouTube he colgado un cortísimo videoclip creado con fotografías del jardín seco de Daisen-in realizadas en mis visitas a ese templo, cuando todavía se permitía fotografiarlo.

Daisen-in es uno de los templos asociados al monasterio budista de Daitoku-ji, en Kioto, un complejo perteneciente a la escuela rinzai de la orden zen. Su jardín seco se construyó a principios del siglo XVI, 

Si deseas tener más información sobre Daisen-in, te informo que hace tiempo publiqué en este blog un par de artículos sobre su jardín seco. Este enlace lleva al primero de ellos.

Pero si deseas ver esas mismas fotos que aparecen en el clip y otras, una a una y con más calma, puedes entrar en mi blog Jardines de Japón. Este enlace te llevará justo a su artículo.

Mi clip en YouTube, que adjunto aquí mismo, puede servirte de introducción, solo dura un minuto.

De este jardín hablo en las paginas de la 88 a la 94 de mi libro Historia y arte del jardín japonés, cuya segunda edición la publicó Satori Ediciones en febrero de 2026.

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Curso de arte japonés, art. 46º. Jardines, VIII

El anterior artículo se dedicó a un solo jardín moderno, el del Museo de Arte Adachi, y hoy haremos algo parecido consagrando este a un solo autor: Masuno Shunmyō (1953-), uno de los más relevantes maestros jardineros del siglo XXI y quien en la última década del pasado siglo creó una serie de obras que lo han convertido en quizás el más internacional de todos los grandes especialistas japoneses que trabajaron en el último cuarto del siglo XX y siguen haciéndolo en el XXI.

Los jardines de 1990 a nuestros días

Masuno Shunmyō, es monje zen, un hecho que marca todas sus obras ya desde su primera aproximación al lugar. Esta es una máxima que aprendió de su maestro: “si no conoces el lugar, no puedes diseñar el jardín.” Su carrera como creador de jardines la inició en 1982, una actividad que siempre ha compatibilizado con la de monje del templo de Kenkō-ji en Yokohama.

Para Masuno, su labor como creador de jardines forma parte de la disciplina zen. En este sentido, hay que dejar claro que, bajo esa óptica, un jardín zen es solo aquel que ha diseñado, creado y construido una persona practicante del zen de manera disciplinada, continuada y metódica.

Esa premisa no se tiene en cuenta en Occidente, e incluso también en Japón, cuando se describe a determinados jardines como zen. Para saber qué obra de arte puede calificarse de zen o no, me remito al histórico libro de Hisamatsu Shin’ichi (1889-1980) Zen and the Fine Arts, publicado en Tokio por Kodansha en 1958 en japonés y en 1971 en inglés

Embajada de Canadá en Tokio

En los primeros años de su carrera, Masuno diseñó una de sus obras más emblemáticas: el jardín para la Embajada de Canadá en Tokio, en el que demostró su manera de trabajar con las rocas. Su obra se sitúa en la planta cuarta del edificio y, como muchos jardines clásicos de templos budistas, se desarrolla alrededor de las estancias situadas en ese nivel. Véase la siguiente ilustración.

Masuno Shunmyō: planta del jardín en la planta cuarta de la Embajada de Canadá en Tokio, 1991.
Foto en Mira Locher: Zen gardens. The complete works of Shunmyo Masuno, Japan's leading garden designer. 
Tokio: Tuttle, 2012

Videoconferencia sobre arquitectura japonesa de 1868 a 2025

El pasado día 5 de marzo de 2026 ofrecí una conferencia por internet, vía Facebook Live, es decir, de acceso libre, titulada Arquitectura japonesa, 1868-2025. Despertar, evolución y vanguardia, para Guatemala. El encargo se realizó a través de la Fundación Japón en Madrid y la Embajada del Japón en Guatemala.

Curso de arte japonés, art. 45º. Jardines, VII

En el anterior artículo se comentaron dos jardines diseñados por Shigemori Mirei, el primer gran maestro de la modernidad en la jardinería de Japón. Con él, esta especialidad artística se puso al mismo nivel que la pintura o arquitectura. Hoy dedicaremos esta entrada, la penúltima de este apartado dedicado a la jardinería, al que se considera el jardín más importante del siglo XX.  

Los jardines de 1955 a 1990

El jardín del Museo e Arte Adachi

En 1970, Nakane Kinsaku (1917-1995) diseñó el enorme jardín del Museo de Arte Adachi que se ha convertido en una obra maestra que mantiene la gran tradición japonesa de grandes jardines de paseo del periodo Edo desde los imperiales Katsura y Shugaku-in, ambos comentados en este curso en el artículo 42, hasta los parques de señores feudales como Kōraku-en y Ritsurin-kōen, también reseñados en esta serie (artículo 43).

Entre otros muchos jardines que Nakane Kinsaku diseñó en Japón merecen citarse el de Yokō-en el templo de Taizō-in en Kioto o el del Museo de Artesanía Popular Sanuki (Sanuki mingeikan) de Ritsurin-kōen o el que creó en 1988 en el Museo de Bellas Artes de Boston como homenaje a Okakura Tenshin (Kakuzō), (1886-1913), autor del famosísimo El libro del té. En su trabajo de Boston, Nakane volvió a hacer posible que el jardín pudiera contemplarse desde una ventana del segundo piso de la pinacoteca bostoniana, como había hecho dieciocho años antes en el de Adachi.

Nakane Kinsaku: el jardín Yokō-en en el templo de Taizō-in, Myōshin-ji, Kioto,1966.
Foto: Javier Vives.

Conferencia sobre la arquitectura de papel de Shigeru Ban

El próximo día 28 de febrero a las 17:50 ofreceré una conferencia, titulada La arquitectura de papel de Shigeru Ban, en el Centro Artístico de Bueño de Ribera de Arriba en Asturias con motivo de la tercera edición de Japón en la Ribera. Las jornadas se desarrollarán alrededor del tema El papel japonés washi y más artes y se celebrarán los días 27 y 28 de febrero de este año 2026. 

Curso de arte japonés, art. 44º. Jardines, VI

En el anterior artículo hablamos de dos jardines de paseo construidos en los siglos XVII y XVIII. Hoy lo haremos de un par de los creados en el siglo XX. En esta entrada no se comentará el gran jardín de paseo de Heian-jingū, inaugurado en 1895 ni el mucho menor de Murin-an, ambos en Kioto y también del mismo autor, Ogawa Jihei (1860-1933). A los interesados en tener más información de ellos les remito a mi libro Historia y Arte del jardín japonés y a mi blog Jardines de Japón.  

Los jardines del siglo XX hasta 1955

Durante el primer tercio del siglo XX, la jardinería en Japón se encontraba en un punto muerto. Una alarmante falta de ideas condujo a un estancamiento inevitable. A diferencia de lo que ocurría con la pintura y la arquitectura o incluso en menor grado con la escultura, los japoneses no encontraban en la jardinería occidental apenas nada que mereciera la pena importar, con la excepción de ciertas especies vegetales desconocidas en Japón.

Sin embargo, ante semejante panorama apareció una figura que revolucionó la especialidad: Shigemori Mirei (1896-1975). Cuando en los años treinta resultaba imposible encontrar trabajo, Shigemori se dedicó a estudiar en profundidad los jardines clásicos de su país, algo que le permitió crear una nueva sintaxis diferente de la tradicional, pero que no renunciaba a los principios ancestrales del arte de la jardinería.

El primer jardín del siglo XX que renovó esa especialidad poniéndola a la altura de la pintura o arquitectura fue una obra de Shigemori: el jardín seco del templo de Tōfuku en Kioto.

El jardín de Tōfuku-ji

En 1939, Shigemori diseñó sendos jardines secos frente a las cuatro fachadas de la residencia del abad del templo de Tōfuku-ji en Kioto. En cada uno de ellos utilizó un tema diferente. En el mayor de todos, situado en el lado sur, empleó dos elementos y dos colores: cinco grupos de oscuras rocas y cinco montículos de verde musgo situados en el extremo del gran patio, hacia donde parece que se desplaza la procesión de esas rocas.

Shigemori Mirei: el jardín sur de Tōfuku-ji, 1939, Kioto. Foto: Javier Vives.

El jardín seco de Zuihō-in: vídeoclip

El jardín seco de Zuihō-in

En mi canal de YouTube he colgado un fotomontaje en formato videoclip sobre el jardín seco del templo de Zuihō-in, perteneciente al complejo budista de Daitoku-ji en Kioto.

Los jardines que rodean al edificio de la residencia del prior de la congregación de Zuihō-in los diseñó en 1960 el maestro jardinero Shigemori Mirei (1896-1975). 

Si deseas ver esas mismas fotos que aparecen en el clip y otras, una a una y con más calma, puedes entrar en mi blog Jardines de Japón. Este enlace te llevará justo a su artículo.

Si necesitas más información sobre Daisen-in, te informo que hace tiempo publiqué en este blog un par de artículos sobre su jardín seco. Este enlace lleva al primero de ellos.

Mi clip en YouTube, que adjunto aquí mismo, puede servirte de introducción, solo dura un minuto.

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