Blog de Javier Vives Rego
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| Cartel de la videoconferencia sobre kabuki para la Embajada del Japón en Chile. |
En el
anterior artículo comentamos la obra de dos pintores adscritos a la escuela nanga,
y hoy entraremos en el estilo más popular internacionalmente de todo el arte
japonés: los grabados denominados ukiyo-e, un tipo de obra que alcanzó
su esplendor en el periodo Edo (1603-1868).
Debo aclarar que este apartado dedicado al ukiyo-e va a ser muy escueto. El motivo no es otro que la ingente cantidad de información que existe sobre el tema. Cualquier aficionado o estudioso tiene a su disposición miles de libros y webs especializadas, así como un buen número de museos en todo el mundo donde encontrar información sobre la vida y obra de los artistas del ukiyo-e, así como la posibilidad de visualizar y descargar las reproducciones de sus grabados. Por todo eso, me parece que poco puedo aportar sobre este tema.
Además, en este blog ya publiqué en el año 2015 diez artículos sobre el ukiyo-e, por lo cual ahora no repetiré ninguna reproducción de las obras que inserté allí. Este enlace lleva a la primera de aquellas entradas.
La pintura ukiyo-e, 1
Antes de nada debería aclarar a qué tipo de grabado debería aplicarse el
calificativo de ukiyo-e. La xilografía, que se introdujo en
Japón desde China en el siglo VI, se utilizó en un principio para la impresión
de textos budistas y la confección de libros, algunos de ellos ilustrados. No fue hasta mucho más tarde cuando apareció el ukiyo-e.
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| Shiba
Kōkan (1747-1818): Libro de viajes de Edo a Nagasaki, tinta sobre papel,
25,7x18,1x0,6 cm, periodo Edo, 1803. Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Foto: web del museo. |
El próximo día 29 de septiembre, martes, a las 18:30, participaré en una conferencia doble titulada El espacio: casa y jardín en Japón en el Centre
Obert d’Arquitectura del Colegio Oficial de Arquitectos de Cataluña (COAC), Plaça
Nova 5, 1ª planta, Barcelona.
El acto constará de dos
charlas de unos 30 minutos cada una. La primera la impartirá el arquitecto
Enric Massip Bosch, quien hablará de la casa japonesa a partir del último cuarto del siglo XIX.
La segunda irá a mi cargo y versará sobre el jardín japonés a lo largo de la historia.
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| Portada de la presentación de la charla dedicada al jardín en Japón. |
Hoy, 16 de septiembre de 2026, se ha superado el millón de visitas a mi blog. Desde el
24 de abril de 2013 hasta hoy más de 1.000.000 de internautas han visto algunos
de sus más de 650 artículos ilustrados con un total de más de 4000 fotografías y más de 100
vídeos. Y todo clasificado en un detallado índice por temas y otro por fechas. Creo que es un blog único en su género.
Visítalo y si te gusta recomiéndalo.
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| Captura de pantalla de parte de la página principal del blog hoy, 16 de septiembre de 2026. |
Hace
quince días dedicamos un artículo completo a la obra de Maruyama Ōkyo, máximo
representante de la escuela que lleva su nombre, y hoy lo haremos de otro
movimiento que apareció hacia 1720, el denominado movimiento nanga o bunjinga.
La
pintura nanga
Cuando
hablamos de Murayama, comentamos que su obra estuvo muy influida por las
informaciones sobre ciencia y arte europeo que llegaban a Japón a través de los
comerciantes holandeses recluidos en Nagasaki. Del mismo modo, en esos mismos años se produjo un renovado interés por las ideas chinas, algo que nunca se
había perdido totalmente. También en ese caso, Nagasaki era el puerto de entrada
de monjes y artistas del gran país asiático.
Una de
esas corrientes, que llegó primero a esa ciudad y enseguida a Kioto, fue muy
bien recibida por intelectuales y pintores japoneses. Su novedad se encontraba
en la fusión de poesía, caligrafía y dibujo en una misma obra. Las pinturas de
los integrantes de ese movimiento o escuela incluían casi siempre algún
poema como un elemento más de su composición, a la que impregnaban de un
sentimiento lírico evidente. Ese hecho hizo que se conocieran como bunjinga
o «pintura de letrados» y se las englobara en un estilo que se llamó nanga
o «pintura del sur», por proceder de Nagasaki, urbe del Japón meridional.
Uno de
los temas preferidos de esa tendencia era el paisaje que, sin embargo, se
trataba de manera diferente a como se había hecho en el periodo Muromachi con el sumi-e. El espacio vacío, verdadero universo que envolvía todo y
manifestaba su invisible presencia ocupando la mayor parte de la superficie en
un sumi-e, explotaba aquí en mil pedazos que salpicaban a las montañas y
rocas otorgándoles un claro aliento poético. La influencia china resultaba
obvia, especialmente en el abigarrado tratamiento de las formas que no pocas
veces rozaba la abstracción. Dos de los más sobresalientes representantes del
estilo nanga fueron Ike no Taiga y Yosa Buson.
Ike
no Taiga
Ike no Taiga
(1723-1776) fue tan hábil artista como calígrafo. Sus pinturas, a veces casi
monocromas, suelen tener pequeñas manchas de color obtenidas mezclando el
pigmento con la tinta. En sus paisajes lejanos, de resonancias literarias,
recurría a puntos de vista muy altos y a menudo empleaba la técnica del
difuminado sobre papel mojado.
Los biombos de las dos siguientes ilustraciones representan sendos paisajes de China diferentes y sin relación entre sí, pues se encuentran en regiones alejadas una de otra.
En el biombo derecho se ofrece una panorámica del lago Dongting, situado en la provincia de Hunan y donde desemboca el río Yangtze. Varias barcazas navegan por sus embravecidas aguas y unas personas contemplan en paisaje desde un edificio en la orilla.
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| Biombo derecho. |
El anterior artículo fue el último consagrado a la escuela rinpa
y el de hoy lo dedicaremos a otra escuela denominada Maruyama, el apellido de su
fundador.
La escuela Maruyama
A lo
largo del extenso periodo Edo, la duradera paz propició la aparición de
enfoques artísticos muy diferentes. Por ejemplo, Kioto mantenía su sofisticada atmósfera, muy distinta de la plebeya que se respiraba en Edo, la antigua Tokio. Mientras
tanto, en Nagasaki, muy lejos de las dos urbes, continuaban llegando objetos y noticias
de corrientes artísticas provenientes de Europa y China que no tardaban en
conocerse en la capital. Un par de ellas fueron el empleo de las técnicas de sombreado
y la perspectiva cónica. La influencia de ambas en los artistas japoneses no
fue generalizada, pero algunos las aplicaron sutilmente en sus obras. Con
ellas se pretendía superar el estancamiento en el que se encontraba la escuela Kanō, enfrascada en
sus sistemas de producción en serie que combinaban las maneras y formatos
nativos con unos pocos métodos occidentales.
Los
pintores más inquietos descubrían en algunas técnicas
de representación europeas la posibilidad de otorgar un toque más realista a sus obras que les permitía superar no solo el academicismo de los Kanō, sino también el decorativismo de
la escuela rinpa. Uno de ellos fue Maruyama Ōkyo
El más
conspicuo practicante de esas innovaciones técnicas fue Maruyama Ōkyo, artista que fundó en Kioto la
escuela que llevó su nombre y cuyos alumnos supieron mantener sus enseñanzas hasta finales del siglo XIX. En el
fondo, sus temas no se alejaban demasiado de los tradicionales de árboles, flores y pájaros de
la escuela Kanō ni tampoco del empleo de grandes formatos. Sin embargo, lo que
sí resultaba completamente distinto era su tratamiento mucho más realista.
Maruyama
entró en un taller de la escuela Kanō como aprendiz cuando era adolescente y
hacia 1755 descubrió en la pintura europea, que pudo conocerse en Japón gracias a los
holandeses que arribaban a Nagasaki, la capacidad de reflejar de manera más
realista la naturaleza. Los deseos que mostraban algunos artistas de ir más allá de las tendencias representadas por la declinante escuela Kanō y el decorativo estilo rinpa se concretaron en dos nuevos enfoques: el realista representado por la escuela
fundada por Maruyama, llamada sashei-ga o escuela realista, y la
denominada bunjin-ga o escuela literaria o de letrados.
En la siguiente ilustración, vemos que Maruyama retoma el tema de las grullas que pintó Kōrin a principios del siglo XVIII y que comenté en este artículo hace un mes. El fondo es aún más conciso que el de Kōrin, pues todo su fondo es un puro vacío dorado en el que ni siquiera aparecen rastros de un arroyo como en la obra mencionada de aquel. La diferencia principal se encuentra en la manera de tratar el plumaje de las aves, variando su color y creando un suave sombreado que permite reflejar su textura de un modo muy realista.
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| Biombo derecho. |
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| Biombo izquierdo |
En el
anterior artículo comentamos la espléndida obra de Ōgata Kōrin y hoy hablaremos de dos
artistas de la escuela rinpa que trabajaron en el siglo XIX.
La pintura rinpa, 3
Sakai Hōitsu
El último gran artista del
movimiento rinpa fue Sakai Hōitsu (1761-1828), quien en su juventud estudió
arte chino, trabajó en los talleres de los Kanō, practicó la pintura de tinta
china e incluso el grabado policromo, el ukiyo-e. Cuando finalmente descubrió
el movimiento rinpa, se convirtió en uno de sus divulgadores más convencidos.
Sus estudios sobre la obra de Ōgata Kōrin han suministrado muchos datos
sobre la vida, técnica y obra del artista, aunque algunos de ellos se han cuestionado posteriormente. Veamos unos pocos de sus propios trabajos.
Como creo que hemos podido constatar a lo largo de este curso, las pinturas en biombos o fusuma suelen retratar los árboles, flores o plantas como mínimo en dos estaciones diferentes, otoño y primavera o invierno y verano. El caso de los biombos de Sakai que vemos en la siguiente ilustración con solo un tipo de árbol, el cerezo, es muy poco frecuente. Algunos expertos opinan que la franja inferior grisácea posiblemente no existiera en la obra inicial.
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| Biombo derecho. |
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| Biombo izquierdo. |
Hace dos semanas hablamos de la obra de Tawaraya Sōtatsu y hoy lo haremos de otro gran artista: Ōgata Kōrin, autor de una serie de obras convertidas en hitos de la historia de la pintura japonesa.
La pintura rinpa, 2
Ōgata Kōrin
El
estilo rinpa llegó a ser el reflejo de cierto espíritu poético y
evocador que impregnó al periodo Edo. Seguramente fue Ōgata Kōrin (1658-1716)
quien, a principios del
siglo XVIII, plasmó de forma más
exquisita dicha atmósfera. Su obra más conocida es el doble biombo titulado Lirios
que se expone en el Museo Nezu de Tokio. No la voy a comentar aquí porque en su
momento, hace más de diez años, ya lo hice en un artículo en el que insertaba
imágenes de sus pinturas más conocidas. Un poco más adelante volveré a dar el enlace a esa entrada, pero ahora vamos a ver y comentar otras obras menos conocidas.
De esa misma época es la pareja de biombos que inserto a continuación. La composición se basa, como en sus conocidos Lirios, en sutiles variaciones en la posición de las larguísimas patas y picos de las grullas. De nuevo la restricción de los colores es máxima, solo tres que van del negro al gris. La técnica de aplicar la tinta sobre la capa anterior aún húmeda crea el efecto de volumen de los cuerpos de las aves. El fondo de pan de oro, en el que se distingue la cuadrícula de los trozos encolados, no puede ser más “minimalista”, apenas unos meandros de un riachuelo aparecen por los dos extremos de los biombos.
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| Biombo derecho. |
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| Biombo izquierdo. |
Después
del que en el anterior artículo hablásemos de la pintura durante los cortos
años momoyama (1573-1603), hoy entraremos en el más largo de los periodos
históricos de Japón, el de los años tokugawa, de 1603 hasta 1868, fecha
de la apertura de fronteras después de más de dos siglos y medio de
muy limitados contactos con el mundo exterior.
La pintura
rinpa, 1
Durante la época Edo, la escuela Kanō (ver el artículo 51 de esta serie) mantuvo un alto nivel de actividad, aunque sin incorporar nuevas aportaciones a su estilo tradicional. La mayoría de los temas que utilizaba eran de origen chino y estaban muy relacionados con el confucianismo, filosofía especialmente querida por los gobiernos tokugawa.
Los animales que aparecían en sus obras se asociaban a ciertos valores que se suponía debía tener los representantes de la clase alta. Los tigres, leones y dragones casi siempre se situaban en entornos muy concretos. El tigre entre cañas de bambú, el león entre peonías y el dragón entre nubes. La grulla, que según la tradición simbolizaba larga vida, así como el mítico fénix, asociado a buenos augurios, fueron las aves más apreciadas. Los ciruelos, pinos y bambúes eran los árboles preferidos por los pintores de esa estirpe.
Kanō Motonobu (1476-1559) creó un nuevo estilo pictórico en el periodo Muromachi. La obra de Kanō Eitoku (1543-1590) refleja muy bien el espíritu momoyama. Sin embargo, a diferencia de ellos, a Kanō Tan’yū (1602-1674) difícilmente se le puede considerar representativo del nuevo hacer pictórico de su época, los años edo.
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| Kanō
Tan’yū: Tigres en un bosque de bambúes, tinta, color y oro
sobre papel, 184,9x141,0 cm cada hoja, periodo Edo, ca. 1630, Nanzen-ji, Kioto. Foto: Philadelphia Museum of Art. |
En la anterior entrada dijimos que hoy entraríamos en el apartado dedicado a la pintura nanban y eso vamos a hacer. La
llegada a Japón de los portugueses y jesuitas en 1543, a finales del periodo Muromachi,
provocó un gran revuelo en todo el país. Lo extraño que resultaba el aspecto de
los europeos para los japoneses quedó reflejado en un sinfín de obras a las que
se les aplicó el calificativo de nanban.
La pintura nanban
Nanban-jin o «bárbaros del sur» fue el nombre que se dio a esos extranjeros que
llegaron al archipiélago nipón desde el sur. Por extensión, el término nanban
se utilizó en el arte y en todo tipo de objetos relacionados con ellos. Los biombos en
los que se representaban a los europeos se llamaron nanban byōbu.
Muchas de esas obras nanban eran anónimas y solo algunos integrantes de la escuela Kanō firmaron unas pocas pinturas. Los biombos nanban, como siempre, solían hacerse por parejas a las que se daba unidad temática. Una de las combinaciones más frecuentes reflejaba en el de la izquierda un navío zarpando de un puerto no japonés, mientras que en el de la derecha podía verse su llegada a un muelle nipón.
Los personajes occidentales que se representaban en ellos destacaban por sus pequeñas
cabezas, extraños abalorios y abombados pantalones. Entre ellos llamaban especialmente la atención los religiosos con sus hábitos y los esclavos negros. En general, la composición de los biombos se
realizaba con un punto de vista elevado que permitía ver las diferentes
escenas que se describían, las cuales se diferenciaban separándolas mediante nubes de pan de oro.
La obra de Kanō Naizan (1570-1616) es una de las más
representativas de las pinturas que retratan la llegada de los portugueses y
españoles a Japón. La ilustración siguiente es de un par de biombos nanban
pintados por él. En el de la izquierda se ve a un barco partiendo de un
país asiático, cosa que se deduce por el estilo de los edificios, mientras que el de la
derecha muestra al mismo navío ya en Japón, con las velas arriadas y del que se está descargando su mercancía.
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| Biombo izquierdo. |
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| Biombo derecho. |
En el anterior artículo empezamos a hablar de la pintura de la escuela Kanō durante la época Momoyama. Hoy seguiremos hablando de la actividad de los maestros Kanō durante el periodo Edo.
La escuela Kanō, 3
Kanō
Sanraku
En la producción de Kanō Sanraku (1559-1635) abunda la representación de flores. Una de sus obras más completas se encuentra en las puertas correderas de la residencia del prior del templo de Tenkyū-in en Myōshin-ji, Kioto. En cada una de sus salas, las pinturas tratan un tema diferente. De las veinte hojas de la estancia central, en ocho de ellas y sobre un fondo dorado aparecen unos tigres descansando entre troncos de bambú. En las doce restantes, los bambús y unas rocas, siempre asentadas en la parte inferior de la pintura, son los únicos protagonistas de la escena.
La ilustración siguiente es de una reproducción realizada por el llamado Tsuzuri Project, con el que se propone reproducir a tamaño original cualquier pintura utilizando tecnología digital de última generación, pero siempre complementada con la artesanía tradicional. De esa forma se pretende preservar obras cuyo soporte es muy frágil, sustituirlas en su emplazamiento original, generalmente edificios antiguos de madera poco acondicionados, y hacerlas visibles cuando generalmente no suelen exponerse en público.
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| Correderas lado oeste. |
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| Correderas lado norte. |
El próximo jueves 18 de junio de 2026 a las 18:30, ofreceré una charla sobre cómo leer o interpretar los jardines japoneses en la librería Haiku de Barcelona, calle Montseny, 7, en el barrio de Gracia de Barcelona. La entrada es libre hasta completar el aforo.
La charla la he enfocado no como una conferencia convencional, sino como un intercambio de opiniones con los asistentes a partir de dos formas de ver o interpretar los jardines japoneses: su simbología y su uso.
Hace quince días vimos obras de los dos artistas que crearon la escuela Kanō: Kanō Masanobu y su hijo Kanō Motonobu. Hoy seguiremos viendo pinturas de esa estirpe familiar cuya época de esplendor comenzó en el corto pero brillante periodo Momoyama (1573-1603). En aquel artículo comenté de pasada que, en los años momoyama, la escuela Kanō se caracterizó por un tipo de pintura muy acorde con el espíritu de esa época.
La escuela Kanō, 2
La cultura del periodo Momoyama se distanciaba de forma clara de la ascética y concentrada atmósfera de la precedente época Muromachi. Los grandes señores feudales, cuyo gusto rozaba lo extravagante, se decantaban por la gran escala y luminosidad de las pinturas, esto último conseguido con el empleo de fondos de pan de oro. Se suele decir que esa preferencia por los dorados se debía a la necesidad de compensar la escasa iluminación de los interiores en las residencias japonesas.
Esa misma razón se aduce cuando se habla de los espléndidos kimono empleados por los actores protagonistas en el teatro nō, porque las funciones duraban varias horas y siempre se acababa iluminando el escenario con la tenue luz de las antorchas.
Más información sobre el teatro nō
El 24 de marzo de 2015 publiqué en este blog la entrada que iniciaba la serie de 12 artículos dedicados al teatro nō. En ella, además de comentarios sobre ese género escénico, se incluye la traducción acompañada de videoclips de la obra titulada Kantan.
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| Biombo derecho. |
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| Biombo izquierdo. |
Inserto en este artículo un videoclip de mi canal de YouTube con un montaje realizado con algunas de fotos del castillo de Matsumoto que hice en la "era analógica", en la prefectura de Nagano.En el anterior artículo hablamos de la pintura monocroma creada por los monjes zen. En este lo haremos de las escuelas de pintores laicos que se centraron en decorar los biombos y las puertas correderas de las residencias de los señores feudales y abades de templos. En un principio, sus obras eran fundamentalmente monocromáticas con solo unos pocos toques de color, pero enseguida desplegaron una paleta de brillantes colores que muy a menudo destacaban sobre un fondo de pan de oro.
La ilustración siguiente es de una pequeña pintura de tinta china con unos discretísimos toques de color realizada por un monje zen, Sesson Shūkei (ca. 1492-1577). Las figuras de las personas parecen empequeñecidas por un imponente paisaje imaginario de influencia china.
Daishin-in cuenta con un recoleto jardín seco muy tranquilo y cuya composición se distingue claramente de otras por su sencillez. Su diseño es obra del gran maestro Nakane Kinsaku (1917-1995).Hace dos semanas dejamos el tema de la pintura japonesa en
las obras en rollo y en concreto hablando del Heiji monogatari emaki. Hoy entraremos
ya en una de las épocas de mayor renovación y esplendor del arte japonés: los
siglos del XIV al XVI.
Durante el periodo Muromachi (1333-1573) surgió en Japón un nuevo estilo de pintura que utilizaba casi exclusivamente la tinta china, llamada en japonés sumi, y en la que solo en algunas ocasiones se aplicaban unos pequeños toques de color. Las obras realizadas con sumi se denominan sumi-e, término más o menos sinónimo de suiboku-ga.
Para más información sobre el sumi-e
El 9 de diciembre de 2014 publiqué el primer artículo de una serie de siete sobre la pintura con tinta china que enlazaba con otro en el que se mencionaba su relación con el budismo zen. Este enlace abre una pestaña independiente con esa primera entrada.
En esos años, el budismo zen estaba perfectamente asentado en Japón y ya era costumbre que los monjes de esa escuela importaran pinturas chinas para estudiarlas. De acuerdo con su doctrina, el intentar describir la naturaleza, tema por el que sentían una especial inclinación, estaba condenado al fracaso si solo se buscaba su reproducción exacta, por elaborada que fuera. En consecuencia, prefirieron sugerir antes que representar, abandonaron los colores empleados en épocas anteriores, se decantaron hacia el monocromatismo que proporcionaba la tinta china y sustituyeron los temas religiosos por los relacionados con el paisaje, las flores y plantas y las aves.
Dos precursores
La siguiente ilustración es un retrato de un monje zen llamado Daido Ichii (1292-1370) realizado por un correligionario y discípulo de nombre Minchō (1352-1431). A pesar de su reducido tamaño, esa obra es un buen precedente de lo que será la futura sumi-e creada por religiosos zen. Los trazos quebrados de las rocas adelantan los que años más tarde utilizará Sesshū. El ciervo aparece tratado con una suave veladura que da volumen a su cuerpo.
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| Atribuido a Minchō: Daido Ichii, tinta sobre papel, 47,0x16,2 cm, periodo Muromachi, 1394. Museo Nacional de Nara. Foto: web del museo |
En el anterior artículo hablamos de la pintura budista realizada en el periodo Heian (794-1185). Hoy lo haremos de la pintura en rollo, un tipo de pintura creada en la siguiente época, la Kamakura (1185-1333).
La pintura de los siglos XII y XIII
Poco a poco, las características de la pintura japonesa se irán
distanciando de los modelos continentales para crear un estilo propio. Sus
rasgos podrían resumirse en estos:
·
Uso de la perspectiva axonométrica, no de la
cónica.
·
Empleo de tintas planas, no del sombreado.
·
Protagonismo de la naturaleza, no del ser humano.
·
Ocultamiento parcial del entorno, sugerencia.
·
Importancia del vacío.
·
Asimetría.
La editorial Satori acaba de publicar un libro con sendas traducciones, directas del japonés, de dos obras maestras del teatro nō y kabuki tituladas, respectivamente, Kantan y Kanjinchō. Su título es Japón a escena. Teatro nō y kabuki. La traducción de ambas piezas se encargó a Mariló Rodríguez del Alisal, una reconocida antropóloga y pionera en España de la enseñanza del japonés. Mi contribución en el libro ha sido simplemente añadir unas pequeñas introducciones a ambos géneros y obras, e incluir un glosario y una bibliografía.
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| Portada de Japón a escena, publicado por Satori Ediciones. |
En el artículo de hace quince días vimos las más antiguas pinturas japonesas que se conservan, todas anteriores al siglo IX. Hoy entraremos ya en el siglo X y siguiente, lapso en el que se asentaron muchas de las características del arte japonés.
Debo remarcar que este encasillamiento entre fechas que utilizo en las etiquetas y en los títulos de mis textos debe tomarse con mucha precaución, pues, como comprobará el lector, en muchos casos no encajan las obras que comento con el lapso de siglos indicado. Mi intención solo ha sido situar mínimamente las obras y los movimientos artísticos en un entorno temporal concreto, algo que reconozco es una labor condenada al fracaso.
La pintura de los siglos X y XI
Como en casi toda su cultura, y como vimos en el anterior artículo, la pintura de Japón inició el camino hacia su propia identidad partiendo de modelos chinos y coreanos. Con la llegada de la elegante aristocracia y sus exquisitos gustos, apareció un estilo de pintura que reflejaba el refinado gusto de la corte de la nueva capital, Kioto. La evolución del estilo nipón se encaminó, poco a poco y con las debidas excepciones, hacia el predominio de la línea y las superficies planas.
El anterior artículo concluimos el apartado consagrado a la jardinería y hoy entraremos en el dedicado a la pintura japonesa. Empezaremos dando una rápida ojeada a
las obras más antiguas que se conservan: las realizadas en los túmulos
funerarios que comenzaron a construirse en el periodo Kofun y que siguieron
haciéndose hasta el siglo VIII, cuando la incineración budista comenzó a
extenderse.
La pintura hasta el siglo VIII
Pintura
en túmulos
Cuando en 1956 se descubrió el túmulo de
Takehara en la prefectura de Fukuoka, en su interior se encontraron arneses,
armas, y adornos de varios tipos además de varias pinturas murales. Los temas
de todas ellas son de origen continental con imágenes de dragones, guardianes
celestes y caballos pintados sobre la piedra sin desbastar.
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| Pintura mural, final del
periodo Kofun, s. VI. Túmulo de Takehara, Miyawaka, prefectura de Fukuoka. Foto: web de la ciudad de Miyakawa. |