Rasgos y recurrencias en las artes de Japón, XV

El vacío en el arte japonés, IV. La jardinería

En el anterior artículo hablé del vacío en la arquitectura japonesa y hoy toca hacerlo de su presencia en los jardines.

El vacío en la jardinería japonesa

Desde muy antiguo han existido en Japón espacios exteriores delimitados mediante algún tipo de elemento más o menos sutil, como papeles, cuerdas o en el caso más extremo vallas, que les confería un valor sacro. Dado que el carácter simbólico de esos recintos no precisaba contener apenas nada, alrededor de su elemento de referencia simplemente se cubría el terreno con guijarros. En consecuencia, eran ambientes vacuos.

Aunque ese rasgo ya se encontraba en los primeros recintos sintoístas, como comenté en este artículo sobre los antecedentes del jardín japonés, la forma más depurada de tales espacios vacíos nació con los jardines secos de los templos budistas, como el de la fotografía siguiente.

Jardín de la residencia del abad de Kennin-ji, Kioto. Foto: J. Vives.

Rasgos y recurrencias en las artes de Japón, XIV

El vacío en el arte japonés, III  La arquitectura

En el anterior artículo hablé del vacío en la pintura japonesa y hoy toca hacerlo de su presencia en la arquitectura.

El vacío en la arquitectura japonesa

La arquitectura de Japón es quizás el arte donde la presencia del vacío es más evidente, casi palpable. Las primeras palabras que surgen de la boca de un occidental desprevenido cuando entra por primera vez en una estancia de un edificio tradicional japonés son: «está vacío». 

No solo no ve mesas ni sillas ni muebles, sino que, si los paneles correderos exteriores se han abierto para disfrutar del jardín o simplemente para refrescar el interior, descubre con asombro que el espacio se ha desvanecido, no hay paredes que lo cierren o definan, ni siquiera hay ventanas. Únicamente cuando aparezcan un cojín, una mesita y una taza de té podrá interpretar el vacío como una morada, como su espacio. 

El pabellón Kikugetsu-tei del jardín Ritsurin-kōen, siglo XVIII, Takamatsu. Foto: J. Vives.

Rasgos y recurrencias en el arte de Japón, XIII

El vacío en el arte japonés, II. La pintura

En el anterior artículo creo que me fui por las ramas  cuando hablé del vacío en el teatro japonés, en concreto en los escenarios de nō. Así pues, hoy me centraré algo más y lo haré de su presencia en la pintura.

El vacío en la pintura japonesa

Nunca ha existido en Japón el horror vacui que contagió a los artistas europeos anteriores al siglo XX, incapaces de dejar un centímetro de papel, lienzo o fresco sin que recibiera la impronta de su pincelada.

Los pintores japoneses nunca han sentido la necesidad de llenar la parte del soporte de sus obras que dejaba libre el tema principal, fuese este un personaje, una planta, un árbol o incluso un paisaje. En sus obras, las figuras parecen flotar en el aire, en el vacío, como vemos en la siguiente ilustración.

Fūgai Eikun: Hotei cruzando un arroyo, 

tinta sobre papel, 67x31 cm, primera mitad del siglo XVII. 

Los Angeles County Museum of Art. 

Foto: Wikimedia Commons.

Rasgos y recurrencias en el arte de Japón, XII

El vacío en el arte japonés, I

Después del último artículo dedicado a la fragmentación y multiplicidad en las artes japonesas, el de hoy será el primero de los que consagraré a un término que parece imposible no mencionarlo cuando se habla del arte nipón: el vacío.

En Japón, parece que cualquier objeto, ya sea bidimensional o tridimensional, siempre aparece envuelto en el vacío, una entidad invisible que, sin embargo, puede  ser más explícita que aquel. Hay que tener presente que eso no se da únicamente en las artes plásticas como la pintura, arquitectura o jardinería, sino que se encuentra también en el teatro y en la poesía, donde muy a menudo su significado más profundo se halla entre las palabras.

Ike Taiga: Paisaje árido, tinta sobre papel, 32x55 cm, mediados del siglo XVIII. 

Colección Kingadō. Foto en Gabriele Fahr-Becker (ed.): Arte asiático. Köneman, 2000.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, XI

La fragmentación en las artes japonesas
Después de dedicar varios artículos al concepto de la planeidad en el arte japonés, el último de ellos en la anterior entrega, hoy hablaré no de un solo rasgo, sino de dos muy relacionados entre sí: la fragmentación y/o la multiplicidad.

Para los pintores de Japón, el juego de planos, los tonos lisos y los diseños gráficos eran suficientes para calificar el espacio. Las tres dimensiones las trasladaban a las dos del soporte pictórico sin necesidad de emplear técnicas ilusionistas. Si era necesario obviaban la tercera dando un salto a la cuarta, el tiempo. Eso lo conseguían mediante la fragmentación y multiplicidad de escenas que no tenían lugar en el mismo momento y que se utilizaron muy a menudo en los enormes formatos de las pinturas en rollo y en los biombos.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, X

La planeidad en las artes japonesas, IV. La arquitectura, II
En el anterior artículo hablé de la planeidad en la arquitectura japonesa y hoy concluiré el tema con unos pocos ejemplos más.

En aquella entrada comenté que en la arquitectura clásica italiana se utilizaban pilastras, frontones, molduras e incluso el hueco de las ventanas y puertas para resaltar el grueso del muro, algo que otorgaba sensación de solidez al edificio, y en consecuencia empaque y representatividad. Esa idea se ha mantenido en muchos de los edificios modernos occidentales hasta hace bien poco.

Giulo Romano: Palacio del té, Mántua, 1534. Foto: Wikimedia Commons.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, IX

La planeidad en las artes japonesas, III. La arquitectura, I

Después del anterior artículo consagrado a la planeidad en la pintura japonesa, hoy continuaré hablando de su presencia en la arquitectura, algo que parece una incongruencia.

La planeidad en la arquitectura japonesa

Creo que la idea que he expuesto en los anteriores artículos sobre la planeidad en la pintura se ha podido entender sin demasiados problemas. Sin embargo, ¿es posible hablar de planeidad en la arquitectura? 

Comparemos dos casos, acepto que extremos, pero que nos servirán para captar mejor este concepto de planeidad arquitectónica. La siguiente ilustración es del vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana de Miguel Ángel en Florencia.

Miguel Ángel: vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana, c. 1530, Florencia. Foto: Wikimedia Commons.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, VIII

La planeidad en las artes japonesas, II. La pintura, II

Después del impasse que hice en el artículo anterior para comentar el uso de la perspectiva axonométrica en la pintura japonesa, hoy recupero el hilo del tema de la planeidad que inicié hace un mes para hablar de una técnica que representa muy bien ese concepto. Me refiero al empleo de tintas planas, de colores sin apenas gradaciones que han utilizado casi siempre los artistas de Japon.

Los colores planos en la pintura japonesa

Cuando los espacios reales, tridimensionales, están iluminados por el sol o por una luz artificial se produce una transición de las zonas iluminadas a las oscuras que puede ser suave si el objeto no tiene aristas o bruscas si las tiene. Ese juego de luces, penumbras y sombras lo plasmaron de manera magistralmente realista los pintores del Renacimiento, como se aprecia en la siguiente ilustración de una obra de Rafael.

Rafael Sanzio: La escuela de Atenas, fresco, 5x7 metros, 1509, Stanza della Segnatura, El Vaticano. 

Foto: Wikimedia Commons.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, VII

La perspectiva en la pintura de Japón

En el anterior artículo comencé a hablar de la "planeidad" en la pintura japonesa. Por planeidad me refiero a una determinada forma de representar el espacio que en Japón se ha utilizado a lo largo de toda su historia hasta casi el siglo XX. Sin embargo, nada más comenzar mi exposición surgió el concepto de "perspectiva axonométrica", una manera de plasmar en el papel o en un cuadro las tres dimensiones que apenas se empleó en la Europa clásica, pero sí en el País del Sol Naciente. De eso hablaremos hoy.

La perspectiva axonométrica en la pintura japonesa

A diferencia de Italia y del empleo sistemático de la perspectiva cónica que hicieron sus artistas a partir del siglo XIV, los japoneses no la utilizaron en sus pinturas hasta bien entrada la segunda mitad del XIX. Tradicionalmente, en Japón siempre se trabajó con la perspectiva axonométrica.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, VI

La planeidad en las artes japonesas, I. La pintura, I

Después de hablar en los anteriores artículos de la sugerencia en la pintura y jardinería japonesas, hoy lo haré de un rasgo quizás menos evidente: la planeidad. Pero antes debo explicar un poco qué entiendo por planeidad y cómo se manifiesta en la pintura y arquitectura.

El arte japonés, sobre todo la pintura tradicional y el diseño tanto clásico como moderno, ha tendido a diluir la perspectiva y el efecto de profundidad. La impronta de este rasgo es tan profunda que incluso puede descubrirse en la arquitectura, una especialidad que precisamente trabaja con las tres dimensiones, sin las cuales no existiría. Pero empecemos por la pintura.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, V

La sugerencia en las artes japonesas, II

En el anterior artículo empecé a hablar de la sugerencia en la pintura japonesa y hoy lo seguiré haciendo, pero en la jardinería .

La sugerencia en el jardín japonés

El tipo de sugerencia que se utiliza en la pintura japonesa, generada mediante la ocultación parcial del objeto vislumbrado, también está presente en la jardinería gracias a la arquitectura. Vamos a explicar un poco esto último.

Cuando, hacia el siglo XV, el jardín japonés se planteó como un paisaje que podía verse y disfrutarse desde el interior de una estancia, sentado en una posición fija, la arquitectura o mejor dicho algunos de sus elementos comenzaron a utilizarse para encuadrar ese jardín exterior. Los pilares, los cercos de las puertas correderas, los aleros y la tarima de la galería se convirtieron en un enorme marco de una determinada vista del jardín semejante a aquellos que encuadraban los óleos en Europa o a las molduras que rodeaban a los frescos en sus palacios e iglesias.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, IV

La sugerencia en las artes japonesas, I

En el anterior artículo hablé de la asimetría en la jardinería y arquitectura japonesas y hoy lo haré de otro rasgo que si nos fijamos ya se apreciaba en las obras que comenté entonces. Me refiero a la sugerencia.

La sugerencia en la pintura japonesa

La imaginación es uno de los sentidos más estimulados por todas las artes de Japón. La indeterminación y renuncia a un exceso de precisión que ahogue la poesía han sido algunas de las bases en que se ha sustentado desde siempre la labor del artista nipón, mucho más inclinado a insinuar que a definir.

Uno de los recursos más empleados en la pintura japonesa para aludir poéticamente a lo que se quiere representar es el ocultar zonas del paisaje e incluso parte del sujeto o elemento protagonista de la composición. Para comentar esta técnica me referiré al biombo Ciprés japonés de Kanō Eitoku (1543-1590) que aparece en la siguiente ilustración.

Kanō Eitoku: Ciprés japonés, c. 1580, tinta, color y oro sobre papel, 170x462 cm.
Museo Nacional de Tokio. Foto: Wikimedia Commons

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, III

La asimetría en las artes japonesas, II

En el anterior artículo hablé de la asimetría en la pintura de Japón y hoy lo haré de su presencia en la jardinería y arquitectura.

La asimetría en la jardinería japonesa

En la jardinería japonesa la asimetría nace de su obvia existencia en la naturaleza. De ese modelo, verdadero imperio de la irregularidad y asimetría, los artistas nipones aprendieron a crear el equilibrio a partir de elementos combinados de manera nunca simétrica.

Desde muy antiguo, el pueblo japonés otorgó a las rocas un especial valor simbólico, pues consideraba que las que tenían formas especiales eran morada de ciertas divinidades sintoístas. Con la introducción del budismo en el país, se amplió su capacidad alegórica asociándolas con paisajes legendarios de origen chino, como el monte Shumisen, el centro del universo budista, o el Hōrai, la residencia de los inmortales taoístas. Es decir, las rocas se convirtieron en abstractas imágenes míticas.

Rasgos y recurrencias en el arte japonés, II

La asimetría en las artes japonesas

Hace quince días publiqué el primer artículo de esta serie que voy a dedicar a los rasgos recurrentes en el arte japonés. Allí comenté las diferencias que existen entre la concepción espacial de la pintura oriental y la occidental, y hoy ya puedo adelantar que, a lo largo de varios meses, hablaré de los siguientes conceptos: asimetría, sugerencia, planeidad, fragmentación, perspectiva y vacío. 

Este artículo lo dedico al primero de ellos, la asimetría, un rasgo que veremos se encuentra a menudo en muchas de las artes japonesas.

En Japón, la asimetría se inculca a los niños desde su más tierna infancia. En los primeros años de escuela, se les enseña que el trazo vertical de un kanji no debe cortar a uno horizontal justo en su punto medio. Si así se hiciera, resultaría un ideograma sin vida.

En contrapartida, en nuestro entorno cultural, la simetría se ha visto como una manera de conseguir estabilidad visual y claridad formal. En la la arquitectura y jardinería europeas clásicas casi siempre se ha utilizado la simetría como germen de su composición; es más, una disposición asimétrica general, no en sus pequeños elementos, era rechazable. 

Rasgos y recurrencias en las artes japonesas, I

La pintura asiática y la pintura europea

Inicio hoy una nueva serie de dieciséis entradas dedicada a las artes japonesas y, en concreto, a comentar algunas de sus características más recurrentes, gran parte de las cuales resultan ser muy diferentes de las que se dan en el arte occidental.

En el año 2016 publiqué nueve artículos sobre ese tipo de rasgos en la arquitectura japonesa, este enlace te llevará al primero de ellos. Ahora, en esta serie retomaré ese tema de las recurrencias llevándolo a otras artes, principalmente a la pintura y la jardinería, aunque también volveré a hablar de la arquitectura.

A pesar de que algunos de los atributos  de la arquitectura que comenté entonces los vuelva a mencionar aquí, creo que merece la pena hacerlo para comprobar si es cierto que son comunes a otras artes niponas. Esta es la diferencia de esta serie respecto a la anterior.

Constantes en la arquitectura japonesa, tradición y modernidad, II

Primera constante: asimetría 

Tal como prometí en el anterior artículo, hoy empezaré a comentar algunas de las características más recurrentes en la arquitectura japonesa de todos los tiempos. Así pues comenzaré hablando de la más evidente de todas, la asimetría.

La transición de la simetría a la asimetría

En Japón, a partir del siglo XIII, aproximadamente, los recintos budistas primero y las residencias después comenzaron a abandonar los esquemas simétricos que proponían los modelos importados de China, país que hasta ese momento había sido su referencia cultural y técnica. El planteamiento chino para situar los diferentes pabellones de los templos consistía, primero, en aplanar el terreno donde se debía levantar el monasterio y, luego, construir sus edificios situándolos de forma ordenada siguiendo una alineación determinada o manteniendo una equidistancia respecto a un eje.

Constantes en la arquitectura japonesa, tradición y modernidad, I

La arquitectura japonesa, clasicismo y vanguardismo 

Inicio hoy una nueva serie consagrada a la arquitectura japonesa que será un poco ecléctica, me explicaré. En los siguientes artículos hablaré tanto de edificios antiguos con cientos de años de antigüedad como de otros modernos construidos en este siglo XXI.

El motivo de semejante cóctel no es más que mostrar que, a pesar de que las propuestas de los arquitectos japoneses actuales nos parezcan muy vanguardistas, sus edificios siguen siendo, en la mayoría de los casos, por un lado muy diferentes de los proyectados en otros países y por otro muy semejantes a los de su propia tradición constructiva, aunque a primera vista no lo aparenten.

Seguramente, ese es uno de los factores que han situado a la arquitectura del País del Sol Naciente en los puestos de honor de un hipotético pódium mundial.

Cerámica japonesa: singularidades

La cerámica japonesa frente a la europea
Inicio hoy una colección de artículos dedicados a la cerámica japonesa, una especialidad artística en la que Japón ha destacado y destaca de forma indiscutible. Es posible que la primera vez que alguien contemple una vasija medieval nipona no vea en ella nada especial o incluso le parezca un objeto defectuoso. Sin embargo, yo le garantizo que, a poco que insista, entenderá y disfrutará de su singular belleza del mismo modo que lo hace ante una buena pintura. Confío que la lectura de esta serie le ayude a conseguirlo.

Si se me permite hacer un paréntesis, a los especialmente interesados en el tema les recomiendo que lean mi libro Historia y arte de la cerámica japonesa, publicado en formato electrónico por Amazon. Se pueden ver sus datos y forma de adquirirlo en la pestaña Mis libros y en este artículo de mi blog.

Volviendo al tema de hoy, mi idea es, en primer lugar, hacer una especie de introducción comentando algunas de las diferencias que existen entre las cerámicas tradicionales europeas y las japonesas para, a continuación, dedicar varios artículos a explicar la evolución y características de la alfarería nipona.

Arquitectura japonesa: una característica

La arquitectura japonesa y sus diferencias respecto a la europea
Siguiendo con los comentarios sobre las diferentes artes de Japón, hoy le toca el turno a la arquitectura japonesa. Una vez más debo insistir en que el entorno asiático clásico, y casi todo lo que lo conforma (mitos, tradiciones, creencias religiosas, artes, etcétera), está muy lejos del europeo. Simplificando mucho, podría decirse que hasta el siglo XX ambos mundos, Asia y Europa, evolucionaron independientemente, dando origen a culturas y artes que partían de presupuestos diferentes, empleaban técnicas distintas y, lógicamente, alcanzaban resultados diversos.

Por otro lado, si bien Japón forma parte del universo asiático, su insularidad y aislamiento casi total desde principios del siglo XVII hasta mediados del XIX lo convierten en el paradigma de país con una estructura socio-cultural singular, diferente incluso de la de sus vecinos Corea y China.